吉他学习中的终极秘密

移把位的技巧亦是由手腕和手臂将手指带离原来的位置，在瞬间使手指到达新的位置。移把位的方法共有三种，依学习的次序为：替换（substitution）、移位（shift）、跳跃（jumping），也是需要每天集中注意力，去练习如何正确使用自己的手腕手臂。记得刚开始学习改变按弦的方式时，一直很不适应且不得要领，一次和Carlevero大师上课时，他看我努力了半天，表情十分苦恼，便跟我开开玩笑：「我是你的老师，而你是你的手腕、手臂的老师，想想办法教他们变聪明吧!」

目前常看到年轻的一辈，标榜着用140的速度在练音阶，这是个相当令人担心的事。音阶的真正练习价值不是速度，而是在熟悉指板上不同区间、不同弦，该如何正确地呈现手型及移把位之动作。唯有从慢速度开始练习，让每个动作，每个声音都在头脑专注下，正确地完成，才能逐渐让左手在指板上自由运动；而速度的获得，不必刻意的追求，有一天它自然会像熟透的苹果般落下，所以「正确」才是练习放松的目的，速度只是练习下的附产品而已。

Carlevaro大师曾说过这样的话：「左手只是个trabajador（工人），而右手是个artista（艺术家）！」根据个人的经验，以正确的方法和目标专注练习的话，大约只要半年到一年的时间，应该可以完成左手的放松技巧。而右手随着音乐性的成长，却要终其一生不断地去探索它的可能性。基本上右手的技巧只有两种：基本的勾弦法（free touch），和加入固定法（fijacíon）之后各种千变万化的触弦法。而学习右手的技巧，必须要有一付好耳朵，否则这些细微的变化，很难用文字去解释。所谓的fijacíon是根据音乐不同表情的需要，而加入不同的肌肉和关节，使之结合为一个整体的弹奏群组；例如，须要弹奏fff强音的和弦齐奏时，只靠手指的力量去勾弦，是无法让吉他达到力度的要求，此时如果将ami三指合并成一个群组，运用手臂和手腕的力量带动整个群组来弹，便可以很轻松地作出强音的要求。再者，当主弦律在低音部，如大提琴般歌唱，而上声部同时有和声伴奏的情况下；此时音乐上力度的层次应以低音为主，而上声部伴奏居于次要的地位。右手为了区分出不同的声部，可以转动手腕趋向自己，使伸直的大拇指得到最佳的触弦位置，而让其它手指的触弦深度变得较浅，如此改变手腕角度即可很轻松而且清楚地区分出不同声部，也是右手常使用的技巧之一。

音色

右手放松技巧的建立，在于如何正确的制造音色。据说在古代，一位好的弓箭手使用中等强度的弓，可以射得比普通射手的强弓还远。对吉他来说，初学者并不应该以止弦法（apoyando）开始建立右手的技巧，因为它是一种相当深的触弦法，触弦点是一条线，很难训练出稳固确实的触弦点，并且止弦法所压出的声音，不是吉他基础的音量。一把吉他最自然的声音应该像用弹片（pick）瞬间拨出的清澈音质，因此以勾弦法并选择指甲正面触弦的方式，是训练右手的起跑点。因为好的音色决不是用力制造出来的，而在于固定触弦点及瞬间过弦，如此便可以得到清楚而确实的音色。

右手的技巧

经常可以听到「训练出手指的独立性」这句话，事实上增进右手技巧的秘密不在所谓遥不可及的独立性，而是协调性。比如，以a，m，i，m在①②③②弦上弹的音型，无论速度快或者慢，必须练到四个音一个连续动作，并且要求每个音的力度都平均，音色一样为止。当右手熟悉更多的音型时，自己会感觉到，乐曲中困难的乐句，似乎在不知不学中，变得更容易掌握了，毕竟分工合作，要比单打独鬪来的轻松且有效率的多。

自信心

有这样的一个笑话：三个著名的指挥家正在讨论他们之中究竟哪一个是最伟大的。他们分别是：乔治．赛尔（George Szell）、雷纳．伯恩斯坦（Leonard Berstein）、赫伯．范．卡拉扬（Herbert von Karajan）。

「我相信，我一定是最伟大的。」赛尔说道，「因为我把一个本来不怎么有名的乐团，领导成为世界上最伟大的管弦乐团之一。」

「呃，我想最大的应该是我才对吧?」伯恩斯坦回答道。「因为我既是指挥家，又是作曲家。在我指挥音乐的时候，同时也能感受到作曲家的灵魂。而我指挥我自己的弥撒曲时，则是透过上帝亲自给我启示的。」

卡拉扬听到之后马上回话：「我哪有给你启示?」

与其将卡拉扬的话当作自大狂的妄想，倒不如看成一个具有伟大心灵的音乐大师对自己的音乐诠释，有着不可动摇的信心，我想每个上台的演奏者都应该对自己的音乐充满这样的自信，才能作出有说服力的演出。

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